El color de la piel

Hay varias técnicas para trabajar la piel, explicare dos, una podría ser utilizada por pintores que se están iniciando en las clases de pintura y otra para artistas mas experimentados para los cuales leer esto sera un repaso.
La manera mas simple es buscar un color piel general como si se tratara de un objeto de un solo color, moldear el rostro como se muestra en el video 2 y luego aplicar unas veladuras de colores variados como verde, celeste, violeta, rojo..etc. el resultado sera agradable.
La mejor forma aunque mas trabajosa es trabajar con una grisalla, es decir moldear el volumen de un rostro o cuerpo con un color gris, en el caso del video es una grisalla verdosa, y luego con semiempastes, empastes y veladuras llegar al color piel, esta es la mejor técnica para lograr una piel transparente y muy natural, aun así debido a la complejidad de la técnica y a la rapidez de los tiempos actuales no es muy utilizada, pero una grisalla de base sigue siendo la mejor elección a la hora de pintar la piel.

Técnica simple

Técnica grisalla

El uso de los colores blanco y negro

Una de las mayores dificultades que tenemos al iniciarnos en el mundo de la pintura es el control de los colores blanco y negro, en primer lugar sin conocimiento alguno asumimos que par aclarar un color solo es necesario el blanco y para oscurecerlo mezclarlo con negro.
Nuestras primeras obras presentaran muy claramente el uso y abuso de estos dos colores de dos formas, en el caso del blanco tendremos colores opacos, se suelen llamar colores lechosos haciendo alusión al blanco de la leche, inclusive en algunos casos las sombras se verán lechosas o sino las sombras serán sucias y pesadas y las sombras deben ser transparentes.
El problema no termina ahí porque a pesar de que estemos llevando clases de pintura y sabemos que debemos controlar estos dos colores hasta dominarles bien, nos es bastante difícil y lo sera por un tiempo, un consejo para poder controlar esto es tener dos colores para oscurecer como lo son la tierra sombra tostada y el azul ultramar, y dos colores para aclarar como el amarillo de napoles y el amarillo limón, los cuales serán nuestras primeras opciones, luego agregaremos mas blanco o negro en las zonas que en realidad sea necesario, porque realmente hay oscuros profundos que si necesitaran de negro puro y en capas gruesas así sera tambien con el blanco. (pero el problema no es esto, el problema es al mezclarlos con otros colores.)
Para las sombras el tierra de sombra tostada mezclado con azul ultramar nos da un color bastante oscuro, casi negro, el cual podemos utilizar en algunas zonas oscuras o mezclar con otros colores si necesitamos tonos muy oscuros, no para oscurecer un color mezclandolo con este color oscuro, no funciona asi, solo estamos buscando un reemplazo del negro, para conseguir la sombra de un color la regla nos indica que debemos conseguirla mezclando el color con su complementario, por ejemplo si queremos conseguir la sombra del anaranjado este resultara de mezclar el anaranjado mas un poco de azul, el nivel de sombra dependerá de cuanto azul se aumente en la mezcla.
Otro detalle importante, si estamos trabajando la sombra de un objeto no agreguemos blanco a la mezcla, apagaremos el color y los dejaremos lechoso.
Para las luces utilizaremos el amarillo de napoles o blanco mezclado con amarillo limón, posiblemente sientan que su obra tiene las zonas iluminadas amarillentas y sera cierto, pero le aseguro que la obra se vera mas fresca y llena de color que solo aclarando con blanco.
Poco a poco dominaremos estos colores y podremos manipularlos a nuestro gusto.
Veamos estas imágenes que corresponden a la pintura de un alumno.
En el primero se siente la presencia de blanco en la mezcla, las luces están un poco apagadas y blanquecinas y el negro para las sombras ha producido sombras muy pesadas y tambien se ha ensuciado el color de las uvas a diferencia del segundo ejercicio donde se evito utilizar blanco en exceso y se aplico mas amarillo a la mezcla de las zonas iluminadas, la diferencia es notoria en cuanto a limpieza y vibración de los colores, a pesar de estar sin terminar se puede ver que tendrá mejor final que el primero, tambien al no utilizar negro se siente una obra mas ligera, transparente y resplandeciente a la vez.

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clases de dibujo

Las clases de dibujo en nuestro taller están dirigidas a desarrollar nuestra capacidad de observación, para poder distinguir los diversos valores tonales que se observan en la realidad.

El dibujo es solo linea y valorado, entonces el grado de dificultad es mayor en función de traducir lo que vemos en color a solo tonos grises, para lo cual es importante ser consciente de las luces y las sombras de los objetos, en estas están la clave para poder empezar a recrear la realidad.

Tomemos un bodegón y observemos en este, el brillo mas intenso, entonces si tenemos nuestro papel o cartulina blanca, el brillo sera el propio color del papel, es decir todo lo demás debe tener un nivel de gris, luego de tener esto definido procedamos a buscar el tono mas oscuro, y si es posible marquemos en nuestro dibujo la intensidad de oscuridad, así podrá ser mas fácil trabajar con el resto de tonos grises.

Cuando el estudiante se esta iniciando en el arte del dibujo le es un poco difícil reproducir estos tonos, con la explicación que les acabo de brindar todos somos capaces de encontrar los puntos de luz y las sombras pero de ahí no somos capaces de reproducirlos en nuestro dibujo, y esto se debe solo a la practica, el profesor debe guiar al alumno en los primeros pasos hasta que encuentre la forma adecuada de reproducir los diversos valores tonales que existen en un dibujo en blanco y negro.

Para que sea fácil entender podrá observar dibujos realizados por los profesores y observar hasta donde llega la intensidad de los grises.

Todo es practica y observación, el artista educa su vista cada vez que hace un dibujo.

Dependiendo de los brillos, las luces y las sombras, sera posible reproducir el material de que esta hecho cada elemento de nuestro bodegón.

Los contrastes del color

En la pintura realmente tenemos una sección que merece especial respeto y es la Teoría del Color.
Pintar no solo es aplicar colores al azar y en cualquier ubicación del lienzo, la aplicación de los colores debe tener un orden, respetar un ritmo, debe tener armonía e inclusive movimiento producido por la forma de aplicar los colores.
Los colores no se ven en su real intensidad solos, el color actúa acompañado de muchos otros, y es esta interacción la que nos permite manipular los colores, encendiéndolos o apagandolos sin mezclarlos, esto se explica en la imagen miremos el color rojo en la segunda fila, miren como dependiendo del color de fondo este cambia de tonalidad, es decir se ve mas apagado o mas reluciente, con el violeta de fondo casi se fusiona y no tiene mayor protagonismo, pero con el verde de fondo miren como gano fuerza, se trata del mismo color, no es mas intenso el pigmento, no es mejor la marca, nada de eso es el efecto del contraste que se produce entre los colores este es llamado contraste de colores complementarios, este estudio no es fácil necesitamos de mucha observación y análisis para entender como actúa el color en nuestra retina.
El contraste de complementarios se da entre el rojo y el verde, el azul y el anaranjado y el amarillo y el violeta, poniendo uno al lado del otro o uno de fondo el otro ganara intensidad, es importante tomar en cuenta que uno de los colores debe ocupar mayor espacio para que se acentué el contraste porque si ambos están aplicados en igual cantidad, es decir ocupan igual espacio, entonces producirán un efecto desagradable en nosotros.

Segun Johannes Itten los contrastes del color son 7 :

1. Contraste del color en sí mismo (o de colores puros)

2. Contraste de claro-oscuro

3. Contraste de cálido-frío (también puede decirse “caliente-frío”)

4. Contraste de complementarios

5. Contraste simultáneo (o de simultaneidad)

6. Contraste cualitativo (o de calidad o de luminosidad)

7. Contraste cuantitativo (o de cantidad o de proporciones)

Cada uno de estos contrastes no ayudara a entender de que forma podemos manipular los colores a nuestro gusto y poder crear obras de arte increibles.

Estudiaremos cada contraste uno por uno y con ejercicios para poder entenderlos mejor.

Sombreado del dibujo

La siguiente etapa luego de tener el dibujo de nuestro tema bien proporciónado y equilibrado, y la composición este bien realizada, empezaremos a sombrear los objetos, pongamos como ejemplo un facetado, este es un rostro representado en bloques, cada bloque tendrá un valor tonal distinto es decir sera mas oscuro o claro en comparación con los otros bloques que forman el rostro, el ejercicio esta centrado en desarrollar nuestra capacidad de observación de los valores tonales, saber distinguir la intensidad de claridad y oscuridad de cada bloque, al principio sera difícil pero la practica dará como resultado una mejor observación y por lo tanto lograr representar mas fidedignamente el modelo.
Aquí una manera de empezar, primero entrecerremos los ojos mirando el facetado, observaremos entonces una imagen borrosa y distinguiremos mas claramente las zonas de luz y las de sombra, entonces empezaremos por la zona mas oscura, y a la vez le daremos un valor tonal al fondo para que podamos ver la zona mas clara, (considerando que estamos dibujando sobre papel blanco) a partir de ahí podremos graduar por comparación los demás tonos de los distintos bloques de nuestro facetado.
Miremos la imagen del facetado, en los círculos pueden apreciar los distintos valores tonales que existen en los bloques, el artista tiene que aprender a ver y reproducir estas diversas tonalidades.
! exitos !

El dibujo con carboncillo

EL dibujo es lo primero que hacemos al iniciar nuestro viaje a este mundo maravilloso del arte, existen muchos lapices con distintas calidades que se miden según lo blando o duro del carbón, mientras mas duro es el carbón el lápiz dejara trazos muy suaves y por mas que presionemos con fuerza no llegara al oscuro profundo, en cambio el carbón mas suave dejara mas fácilmente lineas mas oscuras y ejerciendo un poco de presión llegara al oscuro muy profundo, ahora, al iniciar el estudio del dibujo lo recomendable es utilizar un carbón blando para todo, el lápiz carboncillo es el recomendable, lo que buscamos es que sea nuestro propio pulso el que decida si las lineas serán muy suaves o muy fuertes, entonces aprenderemos a controlar la presión de nuestra mano, es importante esto ya que el artista utiliza las manos para crear y es necesario dominarles y saber cuando ejercer presión y cuando tocar con suavidad.
Esto se aplica al momento de utilizar los pinceles en la pintura al oleo, la presión de estos pinceles nos dejara una obra muy suave o muy fuerte en pinceladas, entonces tendremos la capacidad de controlar el uso de nuestros pinceles.

Taller Leonardo

MÍSTICA, PRESECTOS Y VALORES

El taller de arte Leonardo nace de la iniciativa de dos artistas plásticos con la sana  intención de enseñar el arte dentro de sus especialidades del dibujo y  la pintura al oleo, donde queremos difundir e incentivar estas materias dentro de un programa legitimo; con todo su contenido en el  proceso con respecto a la necesidad de mantener el arte clásico y como de vanguardia en la actualidad.
El arte en la actualidad esta sufriendo un proceso de cambios y por ende existen nuevas apreciaciones y tendencias, que posteriormente se irán corrigiendo o de lo contrario se incrementaran; nuestra posición es no perder la mística de observar y experimentar con todo lo que nos ofrece la naturaleza y con el único poder del buen dibujo y la paleta de colores que en realidad son los protagonistas de todo lo que aflora del artista basándose en la realidad, como de su mundo interno.
Las alternativas están dadas en el arte, sin embargo pensemos que para desarrollarse con convicción en cualquiera de las tendencias las bases fundamentales son importantes ya que el gran despliegue dentro de todo lo que querrá expresar sera sinónimo de aprendizaje y desarrollo con su aporte.
El arte es una facultad de expresión dentro de la estética y goza de la libertad sin dañar la susceptibilidad del espectador, su función y finalidad es correlativa a la humanidad ya que dentro del mecanismo del exhibicionismo y de expresión,  ínter actúan en el espectador, formando un circuito entre la sociedad, la nación y todo el mundo.

EL TALLER DE ARTE LEONARDO CUENTA CON UN PROGRAMA ACADÉMICO

DONDE LA ENSEÑANZA ES INTEGRADA Y SE APRENDERÁ.

1 - APRENDER A PINTAR:

- BODEGONES

- RETRATOS

- PAISAJES

- FIGURA HUMANA

2- APRENDER A DIBUJAR

- CONSTRUCCIÓN

- BOCETEADO

- DIBUJO LINEAL

- DIBUJO CON LINEA VALORADA

- SOMBREADO

- DEGRADADO

NUESTRO PLAN DE TRABAJO SE BASA EN QUE APRENDAN :

- Aprender a pintar y dibujar es una de las finalidades  mas importantes del TALLER DE ARTE LEONARDO donde se utilizaran técnicas precisas para tales resultados.

CON MÉTODOS DE ENSEÑANZA

- Aprenderemos en el taller de arte Leonardo juntos a conocernos y a reeducarnos de una manera integral con el entorno; aprenderemos a agudizar nuestros sentidos con respecto a todo lo que nos aportan y de que manera los aprovechamos para incrementar nuestra creatividad.

- Entendamos que el ser humano es un ser tridimensional, que al ejecutar una actividad en la realidad lo hace en consciencia y  mentalizado, siendo corporal y físico y sin olvidar los sentimientos y el estado onírico; que dentro de nuestra enseñanza estarán siempre presentes.

- Trabajaremos constantemente con los estudiantes, quienes gozaran de la presencia, y dirección de sus maestros.

Bodegones y figuras en vivo, serán supervisados con los maestros desde el manchado hasta la culminación de la pose que los alumnos aprenderán de manera básica y profesional.

- Podrán aprender a pintar bodegones, retratos, paisajes, figura humana, los estilos como realismo, surrealismo, abstractos, expresionismo y cualquier estilo que sea de su agrado.

- Estaremos coordinando previamente con los estudiantes a visualizar modelos en vivo y salidas fuera del    taller a hacer estudios de la naturaleza, y pintar al aire libre.

- Así mismo se coordinara con los estudiantes hacer visitas a museos y galerías para hacer ejercicios  de apreciaron de contenidos artísticos y culturales.

PINTANDO EN EL TALLER

EL PROCESO DE LA PINTURA

EN EL PROCESO DE LA PINTURA TENEMOS:

1- LA COMPOSICIÓN .- Esta esta es la distribución apropiada de los objetos.

2- EL DIBUJO.- Es la que previamente se hace en el lienzo.

3- EL MANCHADO.-Es la acción por la cual se van colocando los colores, en el lienzo sin presencia de blanco en su combinación.

4- EL EMPASTE.-Es el procedimiento en el cual se van colocando los colores tonales puros o combinados considerablemente en el lienzo; sacados a pincel o espátula de la paleta, después del manchado.

5- LAS VELADURAS.- Son capas transparentes de óleo, para lo cual se utiliza como disolvente la mezcla de aceite y trementina, se colocan en el lienzo cuando la capa de empaste está totalmente seca.

EL TALLER DE ARTE  LEONARDO ORIENTARA Y CAPACITARA

Aprendamos paso a paso todas las eventualidades de la grata experiencia de saber pintar y dibujar, pensemos que nunca es tarde para empezar y que nos regocijemos de estar en paz con nosotros mismos en esta civilidad que aun exista la esperanza de estar en sana armonía con el mundo... y que el arte es beneficioso para el espíritu y es elemental en el desarrollo y como vestigio de la humanidad.

A través de este blog brindaremos información respecto al desarrollo de nuestras clases, a la vez se darán consejos, guías, correcciones y recomendaciones que soliciten  y estaremos permanentemente publicando tutoriales para que lo puedan apreciar libre y cómodamente desde su hogar o taller.

Más les damos la cordial bienvenida a todos los nuevos estudiantes que se iniciaran en los cursos, que le estarán amablemente brindando el " EL TALLER DE ARTE LEONARDO " Ya que se establecerán los preceptos y mística del artista plástico LEONARDO DA VINCI.